보스턴 미술관에서 열린 ‘빛과 공기: 워브 호머의 수채화’ 전시

지난 일요일 보스턴 미술관(Museum of Fine Arts)에서 개막한 ‘빛과 공기: 워브 호머의 수채화(Of Light and Air: Wub Homer in Watercolor)’ 전시는 거의 반세기 만에 호머의 독특한 수채화 작품들을 가장 대규모로 전시하고 있다.

자원 보호를 우선시해야 하는 이유로 인해 이러한 작품들은 드물게 공개되며, 민감한 안료와 세부 정보들이 시간이 지나면서 사라지지 않도록 보호되고 있다.

이 전시는 관람객에게 일생에 한 번의 경험을 제공하는 귀중한 기회이며, 모든 독자들에게 적극 추천한다.

호머의 수채화는 형식적인 측면과 내러티브 측면 모두에 대한 깊은 연구이다.

MFA는 호머의 형식 역사에 대한 최고의 발표를 제공하였으며, 전시의 큐레이터인 크리스티나 미셀론과 에단 래서의 노고는 작품을 직접 보지 않고는 온전히 이해할 수 없다.

이 매체가 가진 스타일적이고 기술적인 실험을 넘어서, 나는 호머에게 후속적으로 귀속된 자극적인 내러티브에 대해 이야기하고자 한다.

19세기와 20세기 동안 활동한 미국의 예술가인 호머는 그의 작품에서 지속적으로 남북 전쟁, 해방, 그리고 사회적 사실주의와 교배하고 있다.

전시는 호머가 북군의 전시 작가로서 시작했음을 강조하고 있으며, 그의 작품은 블랙 인물을 풍자에서 벗어나 일상의 삶 속에 자연스럽게 나타내고 있다.

워브 호머의 작품 중 ‘캠프의 생활, 파트 2: 참호 속에서(Life in Camp, Part 2: In the Trenches)’(1864)에서는 근육질의 흑인 남자가 북군의 전장 채굴 작업을 수행하는 모습을 잉크 세척으로 표현하고 있다.

이 작품은 흑인 남성을 보다 사실적으로 제시하는 중대한 순간을 보여준다.

해방에 대한 보다 깊은 이해는 그가 본 블랙의 이미지를 여전히 19세기적이라는 사실을 드러내겠으나, 이 프린트는 호머의 혁명적인 변화에 대한 열망을 표현할 뿐만 아니라 매체가 그러한 발달을 반영하도록 만들어졌다.

수채화와 잉크 세척은 기술적으로 필요한 유동성 덕분에 독특한 유사성을 공유한다.

수채화는 이러한 느슨한 내러티브와 일상의 장면을 고찰하기 위한 호머의 매체로 작용하였다.

그는 부드러운 색채로 인간을 묘사하며, 이는 그의 극적인 유화 작품에서와는 stark한 차이를 보여준다.

이러한 구별은 호머의 작품에서 매우 중요하며, 이러한 유동성과 부정확성은 예술가를 보다 지속적이고 변화하는 정신적 상태로 이끈다.

전후 재건 시대의 인류에 대한 이러한 고민은 그를 미국 전역으로 이끌었으며, 그는 목가적인 미국의 삶을 묘사하였다.

이는 그의 많은 수채화에서 자주 다루어진 주제이지만, 그는 이 시기에 유화 작품에서도 어려운 현실을 피하지 않았다.

그러나 그의 수채화가 유화의 기술적 특징을 채택함으로써 우리는 그가 내러티브와 매체를 어떻게 혼합해 나아가는지를 목격할 수 있다.

바람, 빛, 인류의 덧없는 순간들이 합쳐져 색소가 그림을 적신 순간들이 영구적인 것이 되어간다.

전시는 호머가 그러한 작품들에서 보여주었던 깊은 지적 노력도 드러낸다.

그의 수채화 작업은 내러티브에 담긴 논쟁적 물질성을 통해 이야기를 이끌어낸다.

전통적으로 수채화는 덜 지속적이고, 덜 비쌌으며, 대중에게 미치는 영향력이 적다고 여겨지지만, 이러한 작품들은 호머가 목격하고 처리하며 세상에 드러내고자 하는 내러티브를 엿볼 수 있는 진정한 창을 제공한다.

이러한 내러티브에는 그가 여행 중 만났던 다양한 배경의 사람들도 포함되었다.

전시장의 후반부에서 보여지는 호머의 이러한 여행들을 다룬 수채화 중 두 가지는 ‘스폰지 다이버(The Sponge Diver)'(1898-99)와 ‘몽타냐 인디언스, 포인트 블뢰, 퀘벡(Montagnais Indians, Pointe Bleue, Quebec)'(1895)이다.

캐나다와 버뮤다에서의 여행 중 제작된 이 두 작품은 그 지역 사람들의 노동을 목격한 호머의 귀중한 증언을 담고 있다.

미국의 위대한 사실주의 화가 중 한 명으로서, 호머의 작품은 그가 상호작용한 인구의 노동에 집중하였다.

그가 이러한 이들을 묘사함에 따라, 그들의 노동은 단순한 주제가 아니라 관객이 인식할 수 있는 가치 있는 하위 텍스트가 되었다.

관객은 호머의 수채화 속에서 작업에 매진하는 인간의 가치를 인식하게 된다.

‘스폰지 다이버’는 부드럽고 유연한 근육을 가진 다이버가 떠오르는 장면을 생생하게 포착하고 있다.

베르무다의 햇살 아래에서 그 사람의 피부는 빛을 받아 반짝이고, 따뜻한 푸른 바다가 그림의 하단부를 가득 채우고 있다.

투명한 파도가 일렁이며 아래쪽 몸통과 팔이 기복을 드러내고, 부드러운 그림자는 그 인물의 등을 비추며 태양의 열기를 전해준다.

관객은 그 사람이 얼굴을 돌리고 있어 개인적 주제가 아닌, 노동의 보편성과 그 행동에 초점을 맞춘다.

스폰지 다이를 위해 노동하는 이 일꾼이 색소 속에서 불멸화되고 있다.

이러한 구성은 철학자 알랭 로크가 호머를 그의 동시대 작가들 가운데 독창적인 미국 화가로 묘사할 수 있도록 했다.

‘몽타냐 인디언스, 포인트 블뢰, 퀘벡’은 앞선 작품이지만 유사한 주제를 반영한다.

이 작품에서는 우리가 보기 힘든 독특한 여성 노동자들이 등장하며, 이 작품 역시 주목할 만하다.

MFA는 이 장면을 설명하기 위해 이누족 대표를 초청하였으며, 이누는 전통적으로 이러한 카누를 조각해왔다.

호머는 퀘벡 여행 중 이 장면을 목격했던 것으로 보인다.

이 작품에서 호머는 반서사적인 방식으로 이 부족의 여성들을 관리하는 역할과 조각가로서의 모습을 보여주며, 전통적인 성 구성에서 벗어난 그들의 복합적인 사회적 관계를 인식하게 한다.

궁극적으로 호머의 수채화 작업은 그가 발전한 과정을 분명하게 드러내는 중요한 본질로 집대성되었다.

MFA의 인용에 따르면 호머는 “앞으로 나는 수채화로 삶을 살 것”이라고 말하며, 이러한 작업에 대한 개인적인 감정적 측면을 드러내지만, 더 깊은 의미가 내포되어 있을지도 모른다.

아마도 호머는 미래와 우리가 이러한 수채화를 진실로 바라볼 것임을 인식했을 것이다.

그의 부드러운 색소가 진실과 증언이 되면서, 이러한 작품들은 아메리카 대륙과 그 모든 사람들의 영혼에 깊이 뿌리내리게 된다.

이미지 출처：thejustice