조지아주 존슨 로우 갤러리에서 열리는 그룹 전시 ‘Encounters’

최근 조지아주 존슨 로우 갤러리에서 열리고 있는 단체 전시 ‘Encounters’는 12명의 예술가들이 참여하여 현대 사회의 빠른 문화에 대한 응답으로 자리 잡았습니다.

이번 전시는 관람자가 작품과 마주할 때 느낄 수 있는 변화와 마주하는 과정을 탐구합니다.

전시는 “우리 사회가 스크롤하고, 스와이프하고, 반응하고, 곧바로 넘어가도록 조건짓는 가운데, 이미지를 앞에 세우는 것이 무엇을 의미할까요?”라는 질문을 던지면서 시작합니다.

또한, 작품들이 시간과 주의, 인내를 요구하며 관람자와의 관계를 맺기 위한 ‘교환’의 능력을 가지고 있다고 주장합니다.

이 전시는 특히 코로나19 팬데믹 이후 사람들 사이에 다시 물리적 경험으로 돌아가고자 하는 문화적 충동을 반영하고 있습니다.

마치 사람들이 전화선을 다시 사용하거나 아날로그적인 방식으로 돌아가고자 하는 움직임처럼, 이 전시는 즉각적이지 않은 경험과 주의를 회복하려는 노력의 일환으로 볼 수 있습니다.

전시에는 더 깊은 존재론적 주장이 담겨 있는데, 이 작품들은 단순한 물체가 아니라 관람자와의 ‘교환’ 가능성을 지닌 능동적인 존재로 여겨집니다.

자간 연구에 따르면, 이러한 관계는 “인간 혹은 비인간을 넘어 몸에서 몸으로 전달되는 강도”로 설명되며, 이는 우리가 느끼지 못하는 것들에 대해 다시 느끼고 행동하게 내몰리는 힘으로 작용할 수 있습니다.

이번 전시의 큐레이션은 이와 같은 형이상학적 주장에 부합하며, 주로 두 가지 범주, 즉 에너지 물질성과 새로운 기술을 통한 전복적 제작을 통해 변혁적인 교환을 제공합니다.

갤러리의 뒷방은 Judy Pfaff, Sam Gilliam, Michael David의 작품으로 전시의 주제를 안착시킵니다.

이들 각자는 수십 년간 자신의 매체를 혁신하며 개념적으로 그리고 공간적으로 추상을 확장해 왔습니다.

그들의 작품은 단순히 공간을 차지하는 것이 아니라 그 공간을 애니메이션처럼 생동감 있게 만듭니다.

Pfaff의 작품 ‘Cat’s Paw (2025)’는 예술가의 삶의 환경을 형태로 변형시키며 벽에서 튀어나온 하트 모양의 혼합체입니다.

이 작품은 샤워 샌들이나 주방 스펀지를 받아들여, 재료들이 끝없는 가능성을 지닌 존재로 다시 태어나는 과정입니다.

또한, David의 ‘The Bed and the Bell Jar (2015-2025)’와 Gilliam의 ‘Parted Iron (1973)’도 자유로운 표현 방식으로 관람객과의 강한 만남을 제공합니다.

David의 작품은 산업 현대성의 붕괴 속에서 태어난 기념물로, 거칠게 다듬어진 페인트로 형성된 구조물입니다.

유리 조각들은 바깥으로 반사되며 관람자가 보는 것과 보이는 것 사이에서 분열하는 순간을 선사합니다.

이는 전시의 주장을 가장 명확하게 뒷받침하며, 만남이란 서로의 존재를 반영하는 거울임을 보여줍니다.

Gilliam의 ‘Parted Iron’은 Pfaff와 David의 작품보다 한층 애달픈 음색을 지니고 있으며, 총체적 에너지를 통해 물질이 움직이는 언어를 표현합니다.

그의 작품은 아름다움과 인생의 덧없음을 직면하는 장면을 제시합니다.

전시는 지속적으로 사진, 섬유 및 판화 등을 통해 물질적 만남을 확대합니다.

사진작가 Letha Wilson과 Chip Moody는 각기 다른 물질적 개입을 통해 장소가 어떻게 보이고 느껴지는지를 복잡하게 만듭니다.

Wilson은 ‘Hawaii Hands Layered Concrete (2024)’에서 구겨진 잎사귀 인쇄물을 콘크리트로 중단시키며 산업적 토지 개발의 위험을 반영합니다.

Moody의 ‘Open Swim (2020)’는 추상적인 물의 3×5 인쇄물을 공공 수영장의 형태로 배열하며, 유색인종에 대한 역사적 차별을 드러냅니다.

두 예술가는 사진의 평면성을 흔들며, 장소가 결코 단일한 것이 아니며 항상 구성되고 있다는 사실을 드러냅니다.

활기찬 물질주의는 Jamele Wright의 수작업 염색 및 재봉작업 ‘BROWN, Conceptually: 2 (2025)’와 Sergio Suarez의 회화 목판 인쇄 ‘Lamentation (2025)’에서 계속됩니다.

그러나 Wright의 작품이 유리벽 뒤에 놓인 점은 그 감정적 힘을 약화시키며, Suarez의 원래 목판 중 하나가 작품의 물질적 초점을 더 강하게 드러냈을 것입니다.

모든 작품이 “존재를 요구한다”는 큐레이션 주장은 그러나 사실에서 약간 흔들리기도 합니다.

자세히 관찰하면 갤러리 안에서 일정하지 않은 결과를 노출하며 일부 작품은 찬란하게 빛나는 반면, 다른 작품은 매력을 잃었습니다.

특히 Kathryn Kampovsky의 얇은 추상화 ‘Unmade (2025)’과 Daniel Byrd의 ‘DRY HUMOR (2020)’는 그 물질적 잠재력을 감춘 채 존재합니다.

이 작품들은 다른 맥락에서 자신을 확고히 할 수 있지만, 이번 큐레이션 내에서는 전시의 만남 방식을 지원하거나 확장하지 못합니다.

다른 예술가들은 새로운 기술을 전복하며 만남을 이루고 있습니다.

이러한 접근 방식은 전시의 주장을 확장하며 아날로그와 디지털의 선악 이분법을 저항하고, 단순히 거부하는 것보다 더 합리적인 하이브리드의 의도를 제안합니다.

예를 들어, 화가 Ben Steele은 기념물을 폐허로 전환하여 3D 인쇄와 전통적인 정물화 기법을 결합하여 고대 기술 또는 미래 사회의 붕괴 장면을 상상합니다.

Rush Baker의 ‘Whispers Along the Alexandria Canal II (2024)’와 Suarez의 ‘Lamentation’과 함께 이 근접한 종말의 묘사는 과거와 미래의 경계를 허물어버립니다.

이 조합은 전시를 종말로 시작하게 하며, 이분법과 삶의 순환적 본질에 대한 통찰을 제공합니다.

사진 콜라주와 Rashaad Newsome의 단편 영화는 이러한 개념을 더욱 심화시킵니다.

Newsome의 작품은 흑인, 퀴어 맥락에서 인공지능을 위치시키며, 주류 기술이 백인 남성 중심의 가치관을 어떻게 작용하는지를 드러냅니다.

‘Being the Digital Griot’라는 AI 모델은 Vogue fem 퍼포머의 모션 캡처, 흑인 퀴어 ASL 통역사, 가나의 섬유, 프랙탈 패턴 및 흑인 커리큘럼에서 구축되었습니다.

이는 물론 청중을 감동시키는 탈식민지 워크숍을 진행하기도 합니다.

이 작품은 해치지 않고 치유하는 윤리적 제작물로 설계되었으며, 사용 조건에 포함되었습니다.

그러나 이러한 AI는 ChatGPT와 같은 데이터 센터와 동일한 기반을 사용하여 남부 흑인 커뮤니티에 불균형적인 영향을 미치는 전력 및 물 자원을 소모합니다.

이러한 사실은 작품의 공명성을 부정하는 것이 아니지만, 그 물질적 효과에서 더 나은 가치 정렬의 기회를 드러냅니다.

뉴스룸은 저항과 정의의 지각을 다룰 수 있도록 설계되었습니다.

예술가 Jenny Odell은 “주의의 행위는 우리가 누군가를 듣고, 보고, 우리 세계에서 누구에게 그 행위를 부여할 것인지를 결정하는 방법입니다.”라고 말했습니다.

‘Encounters’는 예술이 지속적인 주의를 연습하는 공간이라는 점을 일깨워 주며, 이러한 주의가 감정으로 이어지고, 결국 관심으로 이어진다고 강조합니다.

정보와 데이터로 넘치는 시대 속에서, 우리는 모든 끔찍한 사건과 심지어 해결책을 알고 있지만, 느끼는 방법을 모르기 때문에 무기력한 이유를 설명합니다.

이번 전시는 효과를 탐구하며 우리에게 속도를 늦추고 변화될 수 있을 만큼 충분히 주의를 기울일 것을 초대합니다.

‘Encounters’는 존슨 로우 갤러리에서 11월 29일까지 전시됩니다.

이미지 출처：artsatl